Jaroslav Wieczorkiewicz (1980) est un photographe et artiste basé à Londres, connu pour sa créativité audacieuse et son approche technique innovante. Spécialisé dans la photographie d’Art, il s’est fait remarquer pour sa maîtrise de la « photographie liquide », où il utilise de véritables liquides comme le lait, l’eau et la peinture pour créer des effets dynamiques et surréalistes. L’un de ses projets les plus emblématiques, « Milky Pin-Ups », réinvente le style pin-up classique en créant des tenues entièrement à partir d’éclaboussures de lait, démontrant son expertise à la fois en photographie et en composition numérique.

Gérard Rancinan est une figure majeure de la photographie contemporaine, dont l'œuvre transcende les limites de la simple image pour s'inscrire dans un dialogue permanent avec notre société. Né en 1953, il débute sa carrière comme photojournaliste avant de se tourner vers une approche plus artistique dans les années 1990. Ses œuvres, exposées dans des musées et des galeries prestigieuses à travers le monde, telles que le Palais de Tokyo à Paris, la Triennale de Milan ou encore le Shanghai Himalayas Museum, sont reconnues pour leur esthétique monumentale et leur engagement critique. Rancinan utilise la photographie pour questionner les dérives et les contradictions du monde contemporain. Son style est marqué par une mise en scène méticuleuse qui, mêlée à une dimension narrative, dépeint un univers où s'entrechoquent mythes modernes, tensions sociales et transgressions culturelles. Ses séries comme la Trilogie des Modernes et Métamorphoses ont été largement saluées, et il a été récompensé à plusieurs reprises par des prix prestigieux, dont plusieurs World Press Photo. Véritable « témoin éveillé des métamorphoses de notre Humanité », Rancinan est aussi l'un des photographes français les plus cotés aux enchères, avec des œuvres atteignant des prix records, notamment lors de ventes à Londres et Paris. En 2014, il a été classé parmi les photographes plasticiens les plus influents au niveau mondial. Sa démarche ne se contente pas de capturer l'instant, elle le transcende pour révéler des vérités dérangeantes sur notre époque, rendant son travail à la fois profondément artistique et intellectuellement subversif

Anna Laza, une artiste visuelle influente dans le domaine de la photographie artistique, tisse une tapisserie de styles innovants à travers son objectif. Ses projets plongent profondément dans les domaines de la prise de vue et de la post-production, créant une fusion unique de technique et d'émotion. Acclamée internationalement, son œuvre a non seulement été exposée dans le monde entier, mais elle a également remporté de nombreux prix prestigieux, y compris des distinctions lors de concours renommés tels que LensCulture. L'art d'Anna trouve sa place dans les pages de magazines de photographie de renom, et son œil averti est souvent recherché pour faire partie de jurys prestigieux lors d'événements photographiques. Au-delà de ses créations personnelles, Anna est la visionnaire derrière FotoSlovo, un magazine dédié à la découverte et à la célébration des nouveaux talents émergents en photographie chaque année. Son projet "Story of Love" est une exploration poétique de l'éloquence silencieuse des mains humaines, exprimée à travers le médium intemporel de la photographie en noir et blanc. Ici, les mains deviennent les seuls protagonistes, chaque geste révélant un chapitre dans l'intricate tapisserie des émotions et des relations humaines. Dans cette collection, Anna capture l'essence brute et tactile des émotions — affection, confiance, unité, et même colère. Chaque photographie est une narration en soi, dépeignant l'histoire universelle de la connexion humaine à travers le langage du toucher physique. "Story of Love" est une célébration des liens intemporels qui nous unissent tous, capturant le langage universel du toucher dans sa forme la plus pure et expressive. À travers son objectif, Anna Laza nous invite à témoigner de la beauté profonde et de la complexité de l'interaction humaine, offrant un aperçu de ce langage silencieux mais éloquent qui en dit long sur notre humanité partagée.

Deborah Zuanazzi, née en 1995 en Italie, est une photographe d'art italienne. Dès son plus jeune âge, Deborah a montré un talent créatif naturel, ce qui l'a menée vers les arts pendant ses années de lycée, culminant par un diplôme en Restauration d'Art. Malgré sa formation classique, Deborah a découvert sa véritable voix artistique à travers la photographie, qu'elle utilise comme un moyen puissant pour exprimer ses émotions et ses idées. Deborah a perfectionné ses compétences à l'Académie Albertina des Beaux-Arts de Turin, où elle a étudié les nouvelles technologies de l'art. Au cours de son parcours académique, elle a commencé à se faire reconnaître pour son travail, remportant plusieurs prix internationaux. Sa première grande réussite est survenue lors du concours photo Nikon en 2016/2017. Son profond bagage en art traditionnel et en histoire de l'art influence fortement son approche photographique. Le travail de Deborah se distingue par ses qualités surréalistes et de clair-obscur, créant des images à la fois évocatrices et visuellement saisissantes. La post-production joue un rôle essentiel dans son processus créatif, lui permettant d'améliorer et de peaufiner ses photographies. Actuellement, Deborah réside à Turin, où elle poursuit sa passion en tant que photographe d'art et artiste numérique. En plus de ses activités artistiques, elle occupe également le poste de directrice artistique pour une agence créative basée à Londres, équilibrant ses deux rôles avec une remarquable dévotion.

Née à Paris dans une famille allemande, Clara Diebler plonge dès son plus jeune âge dans le monde magique de la photographie argentique. Son esprit curieux et explorateur la pousse à superposer deux négatifs, révélant ainsi un univers parallèle, riche et énigmatique. Depuis cette découverte, Clara tisse son propre monde visuel, nous emmenant dans un voyage où chaque élément semble relié par des fils invisibles de poésie et de mystère. Avec une sensibilité unique, Clara Diebler mêle habilement des nus, des portraits, des structures architecturales et des motifs floraux, créant une alchimie visuelle saisissante. Chaque cliché devient alors une fusion de deux visions : celle du modèle et celle du photographe, de ceux qui voient et de ceux qui ressentent. À travers son objectif, elle capte et sublime cette dualité intrinsèque, cette féminité romantique et universelle qui sommeille en chacun de nous. Son œuvre est une danse délicate entre l’essence féminine et l’universalité, tout en conservant une singularité marquée par une vision originale. Anachronique et mélancolique, brute et splendide, l’esthétique de Clara Diebler est une invitation à contempler le monde sous un nouveau jour, à découvrir la beauté cachée dans la dualité de l’existence humaine. Chaque photographie de Clara est une fenêtre ouverte sur un rêve éveillé, où le passé et le présent s'entrelacent, où la douceur rencontre la brutalité, et où la mélancolie se transforme en magnificence. Par son regard, elle nous offre une perspective intime et universelle, nous rappelant que la beauté réside dans les contrastes et les harmonies secrètes du monde.

Idan Wizen est un artiste photographe dont le travail se concentre sur la diversité, la beauté de l'humanité et la liberté individuelle explorée sous de nombreuses formes. Propriétaire de la galerie d'art du Studio Idan, située au cœur de Paris, il consacre avant tout son temps et son énergie à son art, visant à capturer des moments authentiques et intimes à travers son objectif. Né en 1984 à Tel-Aviv, Idan a suivi un parcours artistique riche et varié, se perfectionnant à Paris, où il a finalement établi son propre studio. Son projet phare, "Un Anonyme Nu Dans Le Salon", reflète sa passion pour la photographie et son engagement à représenter la diversité humaine. Ce projet ambitieux rassemble des milliers de portraits de personnes de tous horizons, chacun célébrant la beauté unique de l'individu. La liberté individuelle est un thème clé dans le travail d'Idan, exploré sous de nombreuses formes à travers ses œuvres. Sa collection "Hinders" en est un exemple marquant, abordant les entraves personnelles et sociales qui façonnent nos vies. Ses photographies capturent l'essence de ses sujets, mettant en lumière leur singularité et leur humanité avec une grande sensibilité. Idan a réalisé plus de 50 expositions en France, aux États-Unis et au Japon, partageant ainsi son travail avec un public international. Ses œuvres ont été largement reconnues et récompensées, ayant reçu de nombreux prix de photographie internationaux. La galerie d'art du Studio Idan est plus qu'un simple espace d'exposition. Elle est un lieu de partage et de découverte, où Idan présente non seulement ses œuvres, mais aussi celles d'autres artistes partageant une vision similaire de l'art et de l'humanité. Idan Wizen continue d'explorer et de repousser les frontières de la photographie, cherchant toujours à capturer l'essence de ses sujets avec respect et profondeur. Son travail offre une perspective nouvelle et inclusive sur la beauté et la diversité humaine, célébrant la liberté individuelle et l'authenticité.

Mathilde Oscar est née à Paris en 1980, elle vit et travaille à Cannes. Elle incarne une artiste multifacette dont l’évolution artistique est aussi fascinante que diversifiée. Son parcours artistique est une odyssée qui fusionne la passion de la peinture, l’étude approfondie de l’histoire de l’art, le graphisme, et la photographie, pour finalement donner naissance à un langage visuel singulier. Au commencement, Mathilde Oscar a exploré les méandres de la peinture, un médium qui a capturé son cœur et son esprit. Cette période a été une exploration enrichissante de la créativité, façonnant ainsi sa perception artistique. L’histoire de l’art est devenue son alliée, lui offrant une profonde compréhension des maîtres classiques qui ont marqué les siècles passés. Au fil des années, Mathilde a élargi son horizon créatif pour se plonger dans le monde du graphisme. Cette immersion a été une période de transformation où elle a affiné sa maîtrise des formes, des couleurs et des compositions visuelles. Cependant, ce n’était que le prélude à une métamorphose plus significative. En 2013, de manière autodidacte, elle choisit la photographie comme moyen d’expression, offrant une toile nouvelle à ses idées picturales profondément enracinées dans les mouvements artistiques allant de la Renaissance au Néo-classicisme. Dans ses photographies, Mathilde Oscar parvient à capturer une atmosphère saisissante, conférant à ses œuvres une qualité quasi-picturale. Son processus créatif implique fréquemment la fabrication minutieuse de décors, de costumes et d’accessoires, bien que certaines de ses inspirations puissent s’agrémenter d’éléments numériques qui viennent s’harmoniser dans sa composition photographiée. Ce qui distingue véritablement Mathilde est son talent pour entrelacer les codes de la peinture classique avec la photographie contemporaine et la culture pop. Ses portraits, souvent anachroniques et décalés, défient les conventions et semblent suspendus dans un espace-temps insaisissable, tout en regorgeant de références subtiles à l’histoire de l’art. Son univers artistique est d’une grande variété. Tantôt romantique, tantôt imprégné de surréalisme, il est marqué par un trait d’humour subtil. Les personnages qu’elle capture deviennent des icônes intemporelles, tandis que ses portraits féminins revêtent une aura de Madones, et ses figures masculines (qu’elle prend plaisir à réinventer au féminin) semblent revisiter des archétypes christiques. En somme, Mathilde Oscar est une artiste qui transcende les frontières artistiques, faisant fusionner le passé et le présent, la peinture et la photographie, pour donner naissance à un monde visuel captivant.

Le parcours artistique de Dina Goldstein s'étend sur plus de trois décennies. D'abord photojournaliste, elle est devenue une artiste indépendante qui se consacre à la photographie narrative élaborée. Son travail témoigne d'un commentaire social complexe, mêlant archétypes culturels et imagerie collective à des récits enracinés dans l'expérience humaine. S'inspirant du surréalisme, Dina construit des compositions qui mettent à nu les dessous de la vie contemporaine, remettant en question les influences culturelles dominantes et les systèmes de croyance profondément ancrés. En 2007, Dina Goldstein s'est embarquée dans un voyage spécifique, alimenté par des expériences personnelles et une vision critique de l'histoire du "bonheur éternel" perpétuée par Disney et adoptée par la société occidentale. En tant que féministe et nouvellement mère, elle s'est opposée à la représentation stéréotypée des femmes et des filles dans les histoires de Disney. Sa série "Fallen Princesses" (2007-2009) met en scène des princesses de contes de fées humanisées et confrontées à des défis modernes tels que le cancer, la toxicomanie, l'obésité, la guerre et la dégradation de l'environnement. Ce travail poignant lui a valu le prix Virginia en 2014, un prix international pour les femmes photographes, et a donné lieu à des expositions à Paris, au Quebec et aux USA. Le projet suivant de Dina, "In The Dollhouse" (2012), se déroule dans une maison de poupée grandeur nature, conceptualisée de manière complexe, habitée par des poupées humaines Barbie et Ken. Dans cette réalité alternative, Barbie subit une transformation en coupant ses emblématiques mèches blondes, tandis que Ken se lance dans un voyage à la découverte de soi. La série suscite des discussions sur les idéaux de beauté inatteignables, le mythe de la perfection et la relation entre la beauté, le pouvoir et le bonheur. "In The Dollhouse" a été largement exposée, notamment dans le catalogue Frida Kahlo et Diego Rivera du musée d'Orsay et dans la collection FotoMuseo en Colombie. Son ambitieux projet "Gods Of Suburbia" (2014) plonge dans le monde des religions établies et marginales. Les divinités de diverses traditions sont dépeintes comme mortelles, s'adaptant aux défis de la vie moderne. En offrant une interprétation iconoclaste de la façon dont les systèmes de croyance anciens se croisent avec les piliers de la modernité - la technologie, la science et la laïcité - les créations surréalistes de Dina incitent les spectateurs à contempler la pertinence de l'éthique ancienne et des systèmes de croyance durables. La série a été exposée dans le monde entier, "The Last Supper" ayant trouvé un écho particulier en Italie.

Le photographe français Louis Blanc est né en 1956 et vit à Toulouse depuis plus de dix ans. Blanc n'a jamais reçu d'éducation formelle en photographie et a appris à maîtriser sa technique seul. Il publie ses travaux sur des forums de photographie et participe à des concours. Des années 1980 aux années 2000, il expérimente différents appareils photo, dont un Minolta et un compact numérique. Après avoir passé un certain temps à perfectionner son art et à acquérir une vaste expérience, il décide de passer à un reflex en 2010. Avec son nouvel équipement, il a pu se concentrer sur ses principaux centres d'intérêt et a donné naissance à son projet CORpuS en 2011. L'idée de cette série lui est venue après avoir remporté un concours sur un forum. CORpuS a été une expérience enrichissante pour Blanc, car il s'est rendu compte que l'image du corps était quelque chose qui évoquait beaucoup d'émotions et de réflexions profondes. Comme on peut le voir, les images de CORpuS ont un arrière-plan neutre, car le corps contorsionné suffit amplement à susciter la conviction. Le processus artistique de Blanc commence par une idée non définie, un peu comme un brainstorming, mais le résultat final est le point culminant de nombreux plans et redirections, ce qui le rend à la fois intentionnel et non planifié. En outre, Blanc n'évite pas de placer le corps dans des poses dérangeantes. En fait, la plupart des images de CORpuS repoussent les limites du corps humain. Les images ont été réalisées en autoportrait, à l'aide d'un retardateur et d'une télécommande. Louis Blanc émerge dans le monde de la photographie depuis une dizaine d'années, et son travail n'est pas exempt d'éloges. En 2014, il a rejoint la communauté des artistes soutenus par Maecene Arts. La série CORpuS s'est fait connaître dans toute la France, étant publiée dans de nombreux magazines dont La Provence et Réponses Photo. Au fil des ans, cette série a fait l'objet de plus de 40 expositions internationales, notamment en France, en Russie, à New York, au Japon, en Italie et à Prague. Il a également été publié dans le magazine Monaco Culture de Monaco et dans la Tribune de Genève en Suisse. Il va sans dire que le monde entier devrait garder un œil sur les prochaines réalisations de Louis Blanc.

L'artiste et photographe américaine Brooke Shaden a passé des années à explorer la dualité de la nature humaine dans son travail. Née en 1987, Shaden est devenue l'une des photographes les plus connues de l'art moderne. Elle est reconnue pour ses images conceptuelles dans lesquelles elle se met en scène dans des décors ressemblant à un monde imaginaire. Après avoir terminé l'université en 2008, elle décide d'explorer sa passion pour la narration et commence plonger dans les profondeurs de son âme, en confrontant les peurs de son intense imagination enfantine. Brooke réalise principalement des autoportraits, mais elle n'hésite pas à photographier d'autres personnes. Nombre de ses photographies évoquent un sentiment d'épiphanie dans un lieu inconnu. Il est facile de se sentir lié à ses images, car elles incarnent une exploration personnelle et résument les thèmes de l'obscurité et de la lumière. Elle cherche à montrer aux autres une partie essentielle d'eux-mêmes qui était peut-être tapie dans l'ombre auparavant. Ainsi, elle se considère davantage comme une dénicheuse que comme une créatrice. Shaden a étudié le cinéma tout au long de ses études en Pennsylvanie, près de l'endroit où elle a grandi. Elle n'avait que 25 ans lorsqu'elle a fait partie de l'exposition collective "101 Best Photos" de PhotoVogue Italia en 2012. Au fil des ans, elle a reçu 18 prix conceptuels pour son travail et a participé à plus de 80 expositions collectives et individuelles en Amérique et en Europe, sa toute première exposition ayant eu lieu en 2009. Comme indiqué précédemment, la passion inébranlable de Brooke est de raconter des histoires, et elle continue à réaliser des portraits tout en écrivant et en prononçant des discours de motivation. Elle nous permet également d'approfondir son processus mental et physique dans son blog intitulé "Promoting Passion". Elle cherche à mener une multitude de vies, sa curiosité servant de feu perpétuel d'inspiration.

Arnaud Baumann, photographe portraitiste et vidéaste français, naît en 1953 et laisse une empreinte indélébile dans le monde de la photographie. Sa carrière débute aux côtés du photographe Xavier Lambours, avec qui il a l'opportunité de capturer des moments uniques et intimes en photographiant les coulisses, les fous rires et les conférences de rédaction des magazines Hara Kiri et Charlie Hebdo. Cette expérience marque le début d'une carrière prometteuse. Au fil des années, Arnaud Baumann publie des reportages dans des magazines de renom tels que Hara Kiri, Libération, Le Nouvel Observateur, Télérama, VSD, Paris Match et Géo, démontrant ainsi son talent et sa polyvalence en tant que photographe. Durant l’une des périodes marquantes de sa carrière, de 1978 à 1983, Arnaud Baumann immortalise les soirées du Palace de Fabrice Emaer. À travers ses photographies, il capture l’essence même de ces soirées, nous plongeant dans l’atmosphère électrique et libérée d’une époque révolue. Arnaud Baumann consacre une grande partie de sa carrière au portrait, devenant un maître dans l’art de révéler l’essence des personnalités et des acteurs de la culture. Ses portraits sont empreints d’une profondeur et d’une sensibilité, au point de capter l’âme de ses sujets. Tout au long de sa carrière, Arnaud Baumann réinvente son style tout en restant fidèle à ce qui fait de lui un photographe générationnel. Sa pratique photographique repense les liens entre la structure de sa vision et la réalité qui l'entoure. Ses photographies sont reconnaissables par leurs cadrages précis, leurs couleurs choisies et leurs compositions toujours maîtrisées. 

"Muse," un terme que je désire réinventer, en le réduisant à son essence la plus pure : une inspiration authentique et brute. La douceur, souvent mal interprétée comme de la fragilité, se révèle en vérité être une force redoutable et puissante. Mes muses sont des femmes d'une résilience remarquable, chacune d'elles possédant une singularité, une audace et une irrévérence délicieusement subversive. Elles vont à contre-courant des normes et des attentes sociétales, s'affirmant avec une détermination inébranlable. Comme la nature sauvage qui nourrit leur esprit, ces femmes symbolisent une liberté inaltérable, une indépendance illimitée qui refuse d'être maîtrisée. Elles sont aussi tenaces que le vent, aussi impétueuses que les vagues et aussi nourricières que la terre elle-même. En leur présence, on perçoit la profonde connexion entre l'esprit humain et la beauté indomptable du monde naturel. Ces muses, avec leur courage inébranlable et leur individualité assumée, incarnent l'épanouissement d'une société qui commence enfin à reconnaître et à célébrer leur essence véritable. Leur audace, leur force intérieure et leur douce puissance témoignent d'un monde en éveil, qui apprend progressivement à valoriser la diversité et l'énergie féminine. À travers mon objectif, je m'attache à capturer cette danse subtile entre force et douceur, à exalter l'esprit indomptable de ces femmes exceptionnelles. Dans chaque image, je m'efforce de révéler l'harmonie délicate entre leur univers intérieur et les paysages sauvages qui les entourent. Mon intention est d'honorer la beauté profonde et mystérieuse qui émerge lorsque nous acceptons pleinement notre nature authentique. Mes photographies cherchent à immortaliser cette fusion entre l'humain et le naturel, mettant en lumière la splendeur qui réside dans les contrastes et les harmonies secrètes de la vie. Chaque portrait est une fenêtre ouverte sur un rêve éveillé, où passé et présent se mêlent, où la douceur rencontre la brutalité, et où la mélancolie se transforme en magnificence. Par mon regard, je vous invite à découvrir cette beauté cachée dans les interstices de la dualité humaine.

Wanderlust capture l'essence de l'exploration aventureuse à travers des portraits mis en scène qui transportent les spectateurs dans des mondes imaginaires. Cette collection combine trois séries à caractère ethnique, brouillant les frontières entre le rêve et le voyage tout en mettant en lumière des femmes d'origines diverses. Le portrait est au cœur de la narration, chaque image racontant une histoire captivante par son cadre et son regard. De la conception des décors et des costumes à l'intégration de la mode et de la beauté contemporaines, la créativité du photographe transparaît. Découvrez l'attrait de la beauté exotique et embarquez pour une odyssée éphémère à travers les yeux de femmes fortes et fières.

Que diront les générations à venir lorsqu’ils parleront du monde que nous leur avons laissé ? Idan Wizen a souhaité représenter un dialogue intergénérationnelle entre les spectateurs d’aujourd’hui et la représentation des enfants du futur. Loin d’une vision pessimiste du futur, il exprime le besoin urgent de tirer la sonnette d’alarme pour le bien de notre planète et des enfants à venir. Par cette série photographique, il presse le spectateur à comprendre que ses actions et ses inactions ont des conséquences dans un futur allant bien au-delà de son existence et qu’il ait de sa responsabilité de choisir au- delà de son intérêt immédiat. La question sous-jacente de cette œuvre est bien entendu irréversibilité de nos choix et de nos actions : sera-t-il un jour trop tard pour inverser le cours des choses et peut-on remettre éternellement les problèmes à demain ?

Une exploration captivante des archétypes féminins, mêlant la force et la confiance modernes à l'esthétique de la Renaissance. Grâce à un art habile, la collection offre un choc visuel, défiant les attentes et mélangeant harmonieusement des éléments baroques et contemporains. Chaque photographie est une fenêtre ouverte sur une autre réalité, où les femmes naviguent dans la société de la Renaissance avec grâce et défi, remettant en cause les conventions historiques. Célébrant la résilience et l'action, "Hors du Temps" suscite une réflexion sur l'identité et la découverte de soi, invitant les spectateurs à un voyage extraordinaire à travers les âges. Le passé rencontre le présent dans un spectacle époustouflant de créativité et d'autonomisation.

Plongez dans l'époque légendaire de la boîte de nuit "Le Palace". Découvrez l'essence du plaisir, de la liberté et de l'insouciance qui a marqué ce lieu emblématique parisien en avril 1978. Plongez dans le monde captivant des œuvres d'Arnaud Baumann, qui immortalise l'esprit vibrant du passé à travers ses photographies uniques et authentiques. Découvrez l'alliance séduisante de l'art et de l'histoire, capturant les nuits inoubliables de cette célèbre boîte de nuit. Explorez la narration visuelle d'une époque qui continue de fasciner et d'inspirer.

Explorez la relation complexe entre la nature, les insectes et l'impact de l'humanité sur la planète. À travers des images étonnantes, cette collection explore les conséquences potentielles de la dégradation de l'environnement, en se concentrant particulièrement sur le sort des abeilles et d'autres insectes. Mathilde Oscar présente un récit qui donne à réfléchir, juxtaposant les thèmes de la beauté et de la répugnance dans un décor post-apocalyptique teinté de rococo. Les spectateurs sont invités à affronter leurs peurs et à reconsidérer leur perception des insectes, car les photographies brouillent la frontière entre la réalité et la fiction. "Dystopia" est une exploration captivante de la fragilité de la nature et de la complexité de la coexistence dans un monde en mutation rapide.

"Mutatio" est une collection photographique artistique captivante qui explore le concept profond de la transformation à travers une série d'images fantastiques, surréalistes et picturales représentant des créatures hybrides. Cette collection invite les spectateurs à entrer dans un monde fascinant où les frontières entre les espèces s'estompent. Au fil de leur parcours à travers la collection, les spectateurs rencontrent des êtres à la fois familiers et étrangers, des créatures qui suscitent à la fois curiosité et introspection. Chaque photographie est une fenêtre sur un monde où la transformation n'est pas seulement une possibilité, mais une vérité fondamentale. Le titre "Mutatio", dérivé du latin pour "changement", résume le thème central de la collection : la métamorphose. À travers ces amalgames surréalistes, la collection plonge dans la fluidité des formes. Au cœur de "Mutatio" se trouve une réflexion sur la nature du changement. En fusionnant différents éléments, ces images mettent en lumière la beauté et la complexité de la transformation, suggérant que l'identité n'est pas fixe mais en constante évolution. Avec cette collection, Deborah Zuanazzi invite les spectateurs à embrasser la fluidité de l'identité et la beauté du changement perpétuel ; elle nous pousse à voir le monde à travers un prisme de merveille et à reconnaître le potentiel de transformation en nous-mêmes et dans le monde qui nous entoure.

Le projet "Story of Love" d'Anna Laza est une exploration poétique de l'éloquence silencieuse des mains humaines, exprimée à travers le médium intemporel de la photographie en noir et blanc. Ici, les mains deviennent les seuls protagonistes, chaque geste révélant un chapitre dans l'intricate tapisserie des émotions et des relations humaines. Dans cette collection, Anna capture l'essence brute et tactile des émotions — affection, confiance, unité, et même colère. Chaque photographie est une narration en soi, dépeignant l'histoire universelle de la connexion humaine à travers le langage du toucher physique. "Story of Love" est une célébration des liens intemporels qui nous unissent tous, capturant le langage universel du toucher dans sa forme la plus pure et expressive. À travers son objectif, Anna Laza nous invite à témoigner de la beauté profonde et de la complexité de l'interaction humaine, offrant un aperçu de ce langage silencieux mais éloquent qui en dit long sur notre humanité partagée. Anna Laza, une artiste visuelle influente dans le domaine de la photographie artistique, tisse une tapisserie de styles innovants à travers son objectif. Ses projets plongent profondément dans les domaines de la prise de vue et de la post-production, créant une fusion unique de technique et d'émotion. Acclamée internationalement, son œuvre a non seulement été exposée dans le monde entier, mais elle a également remporté de nombreux prix prestigieux, y compris des distinctions lors de concours renommés tels que LensCulture. L'art d'Anna trouve sa place dans les pages de magazines de photographie de renom, et son œil averti est souvent recherché pour faire partie de jurys prestigieux lors d'événements photographiques. Au-delà de ses créations personnelles, Anna est la visionnaire derrière FotoSlovo, un magazine dédié à la découverte et à la célébration des nouveaux talents émergents en photographie chaque année.

Les réalités des femmes et les pressions de la société sont cachées dans un monde dominé par des idéaux construits de beauté et de féminité. La collection "In The Dollhouse" de Goldstein déconstruit la façade de la perfection domestique en présentant des scènes où des poupées emblématiques, telles que Barbie, sont aux coeur de problèmes, tels que le vieillissement, l'image corporelle et les attentes de la société. À travers son objectif, Goldstein émet un commentaire critique sur les normes superficielles imposées aux femmes, mettant en lumière les conséquences que ces attentes peuvent avoir sur le bien-être mental et émotionnel d'une personne.

"Un Anonyme Nu Dans Le Salon" est un projet artistique unique qui vise à constituer la plus grande série photographique jamais réalisée représentant l'humanité telle qu'elle est, dans son état le plus naturel, sa nudité et sa diversité. Développé par le photographe Idan Wizen, ce concept d'art photographique vise à réunir des milliers de modèles, volontaires de tous âges et de toutes catégories sociales pour constituer une immense galerie de portraits d'hommes et de femmes d'aujourd'hui qui ont accepté de se montrer tels qu'ils sont, nu. Ces photographies, dans leur multitude et l'originalité de chacune d'entre elles, leur dynamisme et leur naturel, témoignent de la beauté humaine universelle, bien au-delà des critères socio-culturels et esthétiques restrictifs de notre époque. Celui qui pose dans son plus simple appareil participe par sa propre personnalité, ses différences et ses particularités à l'universalité de l'humanité. Idan Wizen a choisi d'exacerber la véritable authenticité de chacun de ses modèles, brisant leurs possibles masques, exposant à travers chacun d'eux, la beauté simple et nue de la nature humaine. Il défie également les critères habituels de la photographie de nu avec ses clichés chocs, à fort parti pris artistique, où la provocation spontanée d'un modèle peut interagir avec l'expression joyeuse et naïve d'un autre ou la modeste révélation d'un troisième. Par l'uniformisation des critères de beauté de notre société ainsi que ses modes d'expression, "Un Anonyme Nu Dans Le Salon" oppose la multitude, la variété, la force de caractère, le mouvement, le surprenant et le naturel à l'état brut de l'humanité. Chaque photo est unique tout comme son modèle et jamais retouchée. Cela nous interpelle inévitablement et crée en nous un curieux sentiment de proximité, d'appartenance. Parce que ces modèles, c'est nous tous. Ému ou bouleversé par la fraîcheur d'un sourire, la rondeur d'une courbe, un regard enjoué, un cri de défi ou la fragilité d'une silhouette, nous aimerions garder avec nous une de ces photos, l'image d'un être parmi les multitude du genre humain, un nu dans le salon !

"Fallen Princesses" de la photographe Dina Goldstein est une collection captivante et stimulante qui donne une tournure contemporaine à des personnages de contes de fées intemporels. Dina Goldstein amène habilement ces princesses dans le monde réel, en les confrontant aux réalités souvent dures de la vie moderne. La juxtaposition du magique et du banal, où les princesses bien-aimées sont aux prises avec des problèmes tels que la maladie, la dégradation de l'environnement, le divorce et les pressions de la société, remet en question les notions idéalisées perpétuées par les contes traditionnels. À travers ses photographies, l'artiste soulève des questions importantes sur les attentes de la société, les rôles des hommes et des femmes et la résilience des femmes face à l'adversité, invitant les spectateurs à reconsidérer les idées reçues et à apprécier la force nécessaire pour naviguer dans les complexités de la société d'aujourd'hui.

Dans sa collection saisissante "Exploration of Self", l'artiste et photographe Brooke Shaden plonge au cœur de l'introspection et de l'auto-découverte. Chaque œuvre de cette série révèle une facette de son voyage personnel à travers l'autoportrait, offrant un miroir à l'âme où la dualité intérieure et les questionnements existentiels sont mis en lumière. Née dans l'immensité créative de son esprit, cette collection a vu le jour comme une quête pour déchiffrer les mystères de son être. Dans "Exploration of Self", Shaden navigue à travers les ombres et la lumière de son identité, tissant des histoires visuelles qui vont au-delà de la simple représentation. Elle met en scène des mondes oniriques où chaque élément, chaque texture, et chaque couleur contribue à la narration d'une introspection profonde. Ses images deviennent des catalyseurs pour la réflexion personnelle, invitant les spectateurs à s'engager dans leur propre exploration de l'âme. Cette collection incarne une période de transition et de croissance pour Shaden, qui utilise la photographie comme un outil pour affronter et apprivoiser les aspects cachés de sa personnalité. "Exploration of Self" illustre sa capacité à transformer la vulnérabilité en force, dévoilant une beauté brute dans l'acte de se révéler à soi-même. Chaque image est un pas vers la compréhension de ses propres peurs, désirs, et rêves, dans un voyage qui est autant personnel qu'universel. Reconnue pour son approche novatrice et sa technique impeccable, Brooke Shaden continue de captiver et d'inspirer avec "Exploration of Self". La collection a été exposée dans de nombreuses galeries et a reçu des éloges pour sa profondeur émotionnelle et son esthétique unique. À travers ce travail, Shaden ne se contente pas de se découvrir elle-même ; elle offre une invitation à tous de s'engager dans une quête similaire d'auto-exploration, démontrant une fois de plus pourquoi elle est considérée comme une voix influente dans l'art contemporain.

"Ab Intus" est une collection photographique artistique qui offre aux spectateurs un aperçu des profondeurs cachées de l'expérience humaine à travers des images surréalistes. Chaque image de cette collection sert de portail vers les sanctuaires les plus intimes des sujets, révélant des mondes d'émotions, de désirs, de peurs et de souvenirs. Le titre, "Ab Intus", qui signifie "de l'intérieur" en latin, rappelle de manière poignante le thème central de la collection : l'exploration du paysage intérieur. À travers une série d'images surréalistes et captivantes, la collection invite les spectateurs à entreprendre un voyage vers les profondeurs, nous menant à travers des fenêtres de mondes où la réalité se confond avec l'imagination et où les frontières de la perception se brouillent. Au cœur de cette collection réside une fascination pour les royaumes cachés de la conscience — les pensées, les sentiments, les souvenirs et les rêves qui façonnent notre expérience vécue. Chaque image offre une perspective unique sur les royaumes intérieurs des sujets, des représentations abstraites des émotions aux représentations complexes des souvenirs et des désirs. Avec cette collection, Deborah Zuanazzi invite les spectateurs à explorer l'immense étendue de l'être intérieur, et à contempler leurs propres mondes intérieurs et les innombrables émotions qui y résident ; un voyage dans les royaumes intérieurs et les mystères qui s'y trouvent.

La photographie, comme toute forme d’art, est une quête de quelque chose. De soi ? De vérité ? Recherche de provocation ? Il y a vingt-cinq ans, la génération libérée d’après 68 pouvait goûter bien des plaisirs sans trop craindre la sanction du chômage, pas encore celle du sida et moins qu’aujourd’hui celle des extrémismes idéologiques et religieux. Dans les année 80, la chute imminente du Mur de Berlin et une Europe en marche, allaient abolir quelques frontières, ces misères archaïques installées entre les peuples… Nous vivions dans l’espoir d’un monde meilleur. Plus libre. Ma soif de liberté, associée à une recherche identitaire, me conduisit à faire poser, dans le plus simple appareil et détaché de toute considération esthétique, mes amis et relations. « Carnet d’Adresses » (éd. du DTV), recueil de portraits nus, célèbres et inconnus, clamait la vérité du regard, sans complexe ni complaisance. Alors que l’entente européenne peine à subsister, d’autres menaces, climatiques ou conflictuelles, viennent assombrir l’horizon. À cela s’ajoute le retour de la morale étriquée de nos aînés. Ma quête de vérité toujours vitale, me conduit à risquer de choquer en montrant ce travail personnel, débridé mais assumé, œuvres sans concession de mes jeunes années de photographe.

Cette collection met en regard des personnalités extraordinaires avec la vie de banlieue. À travers une série de photographies saisissantes, Goldstein remet en question les notions de croyance contemporaine, en juxtaposant des dieux et des déesses emblématiques de diverses cultures à la banale réalité de l'existence en banlieue. Cette collection gratte le vernis de notre culture, révélant les aspirations, les luttes et les désirs de la société moderne sur une toile de fond à la fois familière et surréaliste.

L’oubli de soi parle de visions intérieures, d'observations non biaisées par le regard des autres. Ce projet nous invite à nous oublier pour voir comment le monde est. Un monde où tout est relié. C’est aussi une méditation, quelques moments volés au temps et à l’espace où les nuages traversent notre âme tout entière. L’oubli de soi, c’est le monde qui nous transperce. Le monde qui se rappelle à nous et crie : « Nous ne faisons qu’un ! » La mélancolie qui y est liée n’est que le souvenir de ce que nous avons aimé. La pellicule noire et blanc et la double exposition permettent une entrée dans l’onirisme par la douceur de l’émulsion et le coté nostalgique qui s’en dégage.

Le Who’s Who est l'annuaire des gens censés peser dans la vie d’un pays. La première édition anglaise date de 1849, la française de 1953. Celle d’Arnaud Baumann, plus récente, plus fraîche, plus déboutonnée, a commencé dans les années 80, lorsque, jeune photographe, il s’est mis à cadrer dans son viseur des gens qui comptaient, en particulier pour lui. Par exemple l’escouade libertaire du journal Hara-Kiri, dont il reste un esprit, une œuvre perturbatrice et mal élevée, un héritage, une descendance, une tragédie – la tuerie de Charlie Hebdo en janvier 2015 – et un livre-bible, Dans le ventre de Hara Kiri (Éd. La Martinière, 2015), échographie tumultueuse réalisée par Arnaud Baumann avec son alter ego de longue date, le photographe Xavier Lambours. La différence entre le Who’s Who ordinaire et le sien, c’est que dans le sien ce sont les textes qui sont brefs et secondaires, et les photos qui sont grandes et qui importent.

L'eau, berceau de la vie, miroir originel de l’humanité, dévoile sa poésie dans la collection « Eau Secours » d'Arnaud Baumann. Chaque goutte qui glisse sur la peau narre une histoire unique, capturée avec sensibilité par le photographe de renom. Dans cette exploration artistique, Baumann nous convie à une introspection sur notre lien avec l'eau et la nature. Ces tirages argentiques subliment le détail, l’expression, l’émotion. Sous la douche, moment de vulnérabilité et de sincérité, les visages se dévoilent, les personnalités émergent, et les récits se murmurent silencieusement. Ce contact intime avec l'eau suscite une gamme de réactions, de la surprise à la méditation, de l'extase à la mélancolie. Plus que de simples photographies, ces images sont des œuvres d'art, signées et numérotées par l'artiste. Arnaud Baumann, avec son œil de documentariste et son cœur d'humaniste, saisit des moments éphémères de vérité. Ses modèles, qu'ils soient artistes, écrivains, scientifiques ou inconnus, nous livrent une part de leur intimité, offrant un kaléidoscope de la société en quête de réponses existentielles. Les tirages de qualité sur papier métallisé, où l’eau apparaît comme des perles ou des éclats de cristal précieux, captivent le regard et invitent à la contemplation. Chaque portrait est une invitation à renouer avec l'essence même de la vie.

Fusionnant différents thèmes inspirés de la peinture classique et de maîtres comme Ingres, Vermeer, Botticelli et bien d'autres, Pop Classicisme propose une réinterprétation de la mythologie et du nu, mêlant l'humour décalé à la beauté simple. Il n'y a pas de message spécifique, mais plutôt une invitation à apprécier le plaisir de regarder des chefs-d'œuvre universellement connus d'un point de vue nouveau. Cette collection offre un regard différent qui s'adresse à tous, permettant d'apprécier à nouveau des œuvres d'art intemporelles.

La collection "Virtual Street Art" d'Idan Wizen offre une fusion audacieuse entre architecture urbaine et humanité brute. À travers cette série innovante, Wizen superpose des corps nus issus de sa collection Purity du projet "Un Anonyme Nu Dans Le Salon" sur des prises de vue architecturales des villes, intégrant ces formes humaines sur les façades des bâtiments comme s'il s'agissait de fresques de street art. Ces œuvres numériques, qui marient la rigidité des structures urbaines à la vulnérabilité de la chair, invitent à une réflexion critique sur la visibilité de la nudité dans l'espace public. Elles soulignent un contraste frappant avec la banalisation de la violence et des armes, mettant en lumière la manière dont la société priorise et réagit à différentes formes de représentations. "Virtual Street Art" n'est pas seulement un hommage à la beauté du corps humain; c'est également un commentaire provocateur sur les normes sociales et culturelles qui régissent notre perception de l'acceptable et de l'inacceptable. En plaçant la nudité au cœur des rues, Wizen défie les tabous et incite à un dialogue nécessaire sur la liberté d'expression et les limites de la censure dans l'art et la vie publique. Découvrez cette collection, où chaque image est une invitation à questionner les codes de notre société et à réévaluer notre confort face à la nudité, contrastée si vivement avec les symboles quotidiens de conflit et de confrontation.

La série photographique cORpuS, créée par l'artiste autodidacte français Louis Blanc, est un voyage fascinant dans l'univers de la représentation du corps humain. Née en 2011, après une série d'expérimentations et de réflexions personnelles intensifiées par le passage de Blanc à un équipement reflex professionnel, cORpuS se distingue par sa capacité à capturer la complexité, la beauté et parfois l'étrangeté du corps humain. Chaque photographie de cORpuS est le résultat d'un processus créatif unique, démarrant souvent par une idée vague, évoluant à travers une série d'essais et d'erreurs jusqu'à atteindre une forme d'expression qui défie les conventions. Blanc emploie des techniques d'autoportrait pour mettre en scène son propre corps dans des contorsions qui poussent les limites de l'expression corporelle, utilisant un retardateur et une télécommande pour capturer ces moments intenses de solitude et de découverte de soi. L'arrière-plan neutre des images met en évidence le sujet principal : le corps lui-même, déformé, étiré, parfois mis en poses dérangeantes, mais toujours captivant. C'est une exploration de la forme humaine qui invite à la réflexion sur la condition humaine, sur la fragilité, la force, la beauté et l'angoisse qui peuvent être exprimées par le seul langage du corps. Depuis son lancement, cORpuS a suscité un vif intérêt et a été exposé dans plus de 40 expositions internationales, de la France au Japon, en passant par New York, l'Italie et la Russie. Cette série a non seulement été saluée par la critique dans des publications comme La Provence et Réponses Photo, mais a également été reconnue dans des médias internationaux, y compris Monaco Culture et la Tribune de Genève. À travers cORpuS, Louis Blanc ne se contente pas de capturer des images; il provoque un dialogue avec le spectateur, un dialogue où les contours du corps parlent d'émotions profondes, d'histoires non dites et de la beauté dans l'imperfection. Cette série est un testament à la vision artistique de Blanc, une vision qui continue d'évoluer et de captiver un public mondial.

Dans la société d'aujourd'hui, on se retrouve souvent enchaîné par différents problèmes comme les réseaux sociaux, la surconsommation, le travail, les relations malsaines. L'émancipation et l'épanouissement sont donc des éléments clés nécessaires à la poursuite du bonheur. Pour y parvenir, cependant, nous devons faire face à de nombreux obstacles, défis et entraves. L'objectif de la nouvelle collection Hinders en cours est de montrer à quel point l'humanité est aveuglée par les problèmes quotidiens sans se rendre compte de ces chaînes.

Une collection photographique qui expose les paradoxes et les contradictions de notre société. À travers des symboles énigmatiques et des images anachroniques, chaque chapitre explore des thèmes tels que la pureté érotique, la religion impudique, l'innocence malsaine et la beauté laide, révélant le côté sombre et le déclin de l'humanité. Ces mondes absurdes servent de miroir à nos comportements cachés et à nos aspects inavoués, soulignant le fragile équilibre entre l'ombre et la lumière dans notre nature. Alors que l'humanité est aux prises avec ses contradictions, "Les Mondes Insensés" incite les spectateurs à se confronter aux complexités de notre existence et aux paradoxes inhérents à notre société.

L’accélération de l’histoire, le désir d’une beauté inaltérable, la quête d’éternité, l’inlassable aspiration à une Terre Promise, la pulsion autodestructrice, la virtualisation du monde et l’impérieuse nécessité de la modernité : tout cela nous invite à porter un regard attentif sur les Métamorphoses qui affectent l’humanité. Pour la première fois, l’Homme a atteint les limites de ses innovations. Avec Hiroshima, il a fait surgir la perspective d’un anéantissement total. Depuis, il est entré dans un monde qui lui échappe complètement. Pris dans les rouages d’une machine infernale, il est devenu l’esclave de ses propres créations. Gérard Rancinan suit le fil de l’histoire de l’art, établit des passerelles avec les artistes classiques et s’approprie des thèmes universels pour raconter son époque et ses grands bouleversements. Sur un « Raft of Illusion », les esclaves d’autrefois sont devenus des migrants sans emploi, prêts à risquer leur vie pour l’attrait ambigu de rivages lointains. Dans « The Big Supper », le chef-d’œuvre ascétique de Léonard se mue en une orgie de nourriture bon marché et haute en couleur, tandis que l’hôte méprisant préfère une cuisine plus organique. En posant une série de questions éthiques, Caroline Gaudriault, co-autrice de la série et Gérard Rancinan en appellent à notre conscience. « Metamorphoses » est une provocation, un appel à la réflexion.

La collection d'art "Into The Box" émerge comme une réflexion poignante sur notre capacité à trouver la créativité et l'inspiration même dans les moments les plus contraints. Alors que le monde artistique navigue à travers une période marquée par l'incertitude, cette collection illustre la persévérance et l'ingéniosité des artistes qui transforment l'isolement en une source d'inspiration profonde. Conçue par l'artiste plasticien Idan Wizen durant le deuxième confinement en France, "Into The Box" naît d'un contexte où l'accès au monde extérieur et au public était restreint. Privé de la présence de ses habituels sujets photographiques, Wizen se tourne alors vers lui-même et ses collaborateurs comme modèles, explorant les dimensions intimes et universelles de l'expérience humaine en temps de crise. La boîte, élément central de cette collection, symbolise l'espace confiné dans lequel nous avons tous été contraints de nous retrouver. À travers cette métaphore, les œuvres explorent une gamme d'émotions intensément ressenties pendant le confinement - de la frustration et la colère à la contemplation et l'apathie. Chaque pièce capture l'essence d'une introspection forcée, révélant les émotions complexes et souvent contradictoires qui cohabitent en nous. "Into The Box" pose également une question provocatrice : notre sensation d'enfermement est-elle uniquement due à la pandémie de Covid-19, ou est-elle amplifiée par les barrières que nous érigeons nous-mêmes ? En explorant cette idée, la collection invite à une réflexion sur la manière dont nos "bulles de confort" personnelles peuvent parfois se transformer en prisons, limitant notre expérience émotionnelle et notre relation avec le monde extérieur. À travers "Into The Box", Idan Wizen ne se contente pas de documenter une période historiquement difficile ; il offre un miroir dans lequel nous pouvons tous nous regarder, nous interroger sur notre propre résilience et notre capacité à trouver la lumière, même dans l'obscurité la plus profonde. Cette collection est une invitation à embrasser l'ensemble de nos émotions et à reconnaître la beauté et la force qui émergent de la vulnérabilité.

Peu de séries photographiques parviennent à capturer à la fois la profondeur d’une souffrance personnelle et la grandeur d’une transcendance artistique avec autant d’impact que Fallen Angels de Jaroslav Wieczorkiewicz. Ce corpus évocateur se situe au carrefour de l’art contemporain, de la mythologie et de la photographie à haute vitesse, construisant un langage visuel qui explore le deuil, le traumatisme et la résilience de l’âme humaine. S’inspirant de l’expérience personnelle de l’artiste — marquée par le combat de sa mère contre le cancer, le suicide de son père et la perte d’un enfant à naître en l’espace d’une seule année — Fallen Angels n’est pas une simple expérimentation photographique, mais un véritable acte de catharsis. Chaque image matérialise une douleur intérieure, transformant l’intime en une œuvre universelle qui pousse le spectateur à confronter sa propre histoire de perte.

Les Amours Des Dieux s'inspirent d'œuvres d'art intemporelles de l'histoire pour aborder le thème captivant de l'amour divin. De l'union légendaire d'Eros et Psyché aux escapades amoureuses des dieux grecs comme Jupiter et Hadès, ces récits mythologiques de passion, de trahison et de destin ont été immortalisés dans des sculptures, des fresques et maintenant, dans la réinterprétation de Mathilde Oscar à travers des autoportraits en techniques mixtes. Découvrez l'éternelle complexité de l'amour divin alors qu'Oscar insuffle une nouvelle vie à des thèmes séculaires, capturant l'essence de la romance mythologique dans un contexte contemporain.

Une collection qui explore la relation de l'humanité avec la nature et le potentiel de transformation. À travers des images saisissantes et des récits allégoriques, la collection met en lumière les conséquences de la dégradation de l'environnement et le besoin urgent de changement. Mathilde Oscar présente un récit d'espoir et de renouveau, où les individus ont le pouvoir de se métamorphoser et de devenir les super-héros de demain. La série symbolise un voyage de découverte de soi et d’harmonie avec la nature, invitant les spectateurs à faire preuve d’empathie et d’unité pour rétablir l’équilibre du monde. "Métamorphoses" est un rappel poignant de l'importance de l'action collective pour préserver notre environnement et renouer avec notre véritable essence.

Une collection de photographies dynamiques qui réimagine les icônes religieuses dans des teintes pop et acides vibrantes, remettant en question les conventions et embrassant la provocation. Dans cette mini-série, le Salvator Mundi de Léonard de Vinci est représenté aux côtés de ses homologues féminins, guidés par les addictions, tandis que Jésus devient le prophète de Miami, diffusant son message à l'ère 2.0. La collection explore les nouveaux dogmes et les modèles contemporains, présentant une nouvelle perspective sur l'imagerie religieuse dans le monde d'aujourd'hui.